304 pages, more than 210 illustrations, 28 × 28,7 cm, paperback with banderole, English/German, CHF 48.–, Euro (D) 38.–, Euro (A) 39.10, ISBN 978-3-7212-0792-7

Anlässlich der Ausstellung «The Death of the Audience. Ver Sacrum», die 2009 in der Wiener Secession zu sehen war und welche die Emanzipation von der festgelegten Betrachterrolle der Museumsbesucher forderte, erscheint nun der gleichnamige Katalog.
Die aussergewöhnliche und sehr erfolgreiche Ausstellung – kuratiert von Pierre Bal-Blanc, Direktor des Centre d’Art Contemporain (CAC) in Brétigny – zeigte Werke von zwischen 1960 und 1980 aktiven Künstlern und erhielt grosse Resonanz sowohl bei den BesucherInnen als auch beim Fachpublikum und den Medien: Sie wurde von artforum und Frieze unter den zehn besten Ausstellungen des Jahres gereiht.
Das Buch ist kein klassischer Ausstellungskatalog, sondern als weiterführendes Recherche- und Analysewerkzeug zu verstehen. Bisher in dieser Übersetzung unveröffentlichte Texte beleuchten die in der Ausstellung evozierten Fragestellungen von anderen Standpunkten ausgehend. Des Weiteren werden zahlreiche noch nicht veröffentlichte Reproduktionen ausgewählter Arbeiten mit kontextualisierenden Ausstellungsansichten und Referenzabbildungen in Spannung gesetzt.
Die Publikation bezieht sich zudem auf das Magazin Ver Sacrum (von Gustav Klimt für die Secession herausgegeben): Format und Idee des einheitlichen Erscheinungsbildes werden von den Grafikern VIER5 aufgegriffen und neu interpretiert.
Mit Werken von Bernard Bazile, Robert Breer, Edouardo Costa, Anna Halprin, Lawrence Halprin, David Lamelas, David Medalla, Hans-Walter Müller, Walter Pfeiffer, Isidoro Valcárcel Medina, Franz Erhard Walther, Lois & Franziska Weinberger, Cornelius Cardew, Michel Journiac, Yves Klein, Pierre Klossowski, John Latham, Piero Manzoni u. a. und Texten von András Pálffy, Pierre Bal-Blanc, Isidoro Valcárcel Medina, Gianni Pettena, Terre Thaemlitz, Philippe le Moal, Dean Inkster u. a.

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72 pages, approx. 60 illustrations, 16,5 × 24 cm, paperback with leaves, German,
CHF 22.–, Euro (D) 18.–, Euro (A) 18.50, ISBN 978-3-7212-0816-0

Die 13. Ausgabe von facetten ist dem Schaffen eines Thurgauer Künstlers gewidmet, der bisher noch viel zu wenig Beachtung gefunden hat. Der in Ermatingen geborene Maler und Zeichner ist zwar vielen Zeitgenossen als hervorragender Kunstpädagoge vertraut. Nur wenige aber kennen seinen ausserordentlichen Werkkorpus von Zeichnungen, Bildzyklen, Collagen, Objekten, Installationen und Fotografien Ganz im Sinne eines prozesshaften Werkverständnisses hat in den letzten Jahren das Prinzip der Austauschbarkeit und Wiederverwertung für den Künstler an Bedeutung gewonnen. Ein schönes Beispiel dafür sind die zahlreichen Studienbücher, die auf ebenso vielen Reisen entstanden sind. In ihnen hält der aufmerksame Beobachter Graf – ohne Zensur und wertendes Ordnungsprinzip – Eindrücke fest, die in Zeichnungen, Gouachen und Collagen eine zugleich präzise und flüchtige Form annehmen. Das vorliegende Facetten gewährt einen Einblick in eines dieser Bücher, das Ende der Achtzigerjahre in New York entstanden ist und nebst der formalen Qualität auch existenzielle Aspekte einer eigenwilligen Künstlerexistenz dokumentiert.

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168 pages, approx. 50 illustrations, 16,5 × 24 cm, paperback with leaves, German, CHF 48.–, Euro (D) 38.–, Euro (A) 39.10, ISBN 978-3-7212-0722-4

Was passiert, wenn sich Künste und Management gemeinsam mit dem Thema Führung im Krankenhaus beschäftigen? – Gewohnte Bilder fallen aus dem Rahmen. Sieben GestalterInnen und KünstlerInnen der Hochschule der Künste Bern HKB gehen gemeinsam mit dem College für Management im Gesundheitswesen (college M) anhand von Interviews mit Chefärzten und Spitalmanagern der Frage nach: Mit welchen Führungsstilen wird ein Krankenhaus eigentlich geleitet – und was unterscheidet Ärzte und Manager dabei? Das Buch richtet sich gleichermassen an jene Leser, die sich mit den Modellen und Instrumenten von Führung in Krankenhäusern beschäftigen, wie an jene, die sich für zeitgenössische Kunst und künstlerische Forschung interessieren.

Mit künstlerischen Beiträgen von Peter Aerschmann, Medienkunst; Hahn/Zimmermann, Knowledge Visualization; Johannes Mager, Theater; Jimmy Schmid, Kommunikations-
design; Sabine Wen-Ching Wang, Literatur; Anselm Stalder, Kunst.

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with drawing and multiple in transparent slipcase, 80 pages, 140 illustrations, 3 double gated folds, each with 4 drawings, 24 × 29,5 cm, hardcover, German/English, CHF 88.–, Euro (D) 70.–, Euro (A) 72.–, ISBN 978-3-7212-0735-4

This wonderful, lavishly designed art publication is part of the inter-media project «Madonnas Queens & Other Heroes» by the artist Marlies Pekarek. The publication consists of 3 pieces – a book of 80 pages, a rose scented soap Madonna packed in easterbunny-ear-shaped plastic, and a Kali drawing by Geraldine Searles – altogether assembled in a transparent slipcase.
A trip to Australia awoke in her an interest in social and religious traditions of different cultures. Against this backdrop she addresses the tension between the object of art, anonymous folk art and mass industrial products – between original and copy.
The book contains examples of the latest work series with newly interpreted portraits by high Renaissance old masters and Mannerism, which are transformed into “Madonnas Queens & Other Heroes” on waxed paper or as black and white collages. The small scale oil paintings present an ancestral gallery of world history.
The sculptural works – a Madonna multiple forms part of the book – act as protagonists of a rather bizarre comic by Australian artist Geraldine Searles. Double gate folds reveal them and take the reader on an adventure trip.

With a preface by Roland Wäspe and texts by Barbara Stark, Corinne Schatz, Marina Schütz and Ursula Badrutt.

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64 pages, ca. 100 illustrations, 16,5 × 24 cm, paperback with leaves, English/German, CHF 22.–, Euro (D) 18.–, Euro (A) 18.50, ISBN 978-3-7212-0760-6

The Basle-based duo Muda Mathis and Sus Zwick defy categorisation. However, given the myriad instruments and forms of presentation they use in the creation of their works that are at once sensual and shrewd, they perhaps could be most aptly classified as multimedia artists. Regardless of the medium they use – video camera, their bodies, everyday objects or words – and whether live on stage or in the virtual space, every installation and performance signed Mathis and Zwick is a staged and utopian assertion of real life. Indeed, this ist he common thread running through their shared artistic output that spans almost two decades.
Given that Mathis and Zwick are still living and working artists, facetten no. 12 does not seek to be either a definitive artist monograph or an exhaustive catalogue of their work, but rather a sort of updated studio report. In addition to previously unpublished images, this booklet focuses on the narrative strategies used in their performances and provides an insight into the stimulating orocess of artistic collaboration.
Muda Mathis and Sus Zwick received the renowned Prix Meret Oppenheim for outstanding cultural work.

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48 pages, 24 illustrations, 30,5 × 30,5 cm, hardcover, English, CHF 58.–, Euro (D) 46.–, Euro (A) 47.30, ISBN 978-3-7212-0767-5

The artist spirits us away to a world of dream and fantasy with her latest drawings, paintings, lithographs and lambda prints. It is a world where we meet not only monsters and lions, but also blossoms and other plants. In order to create this world she avails herself of all the existing technical possibilities to thematically create works which are multifaceted in colour and form. Drawings and paintings evolve organically with or without a brush, with graphite, acrylic or pastel. The artist either leaves the new lithographs alone in their form, or she hides little figures in the forest, or embeds coloured surfaces in a brown landscape.
Dominique Lämmli often furnishes the works with drawings and sketches which she paints, scans and prints out, in order to paint them again. In countless stages of work she transforms and shrouds the photographically or hand made originals, combining those and collaging them together. By means of this image processing, which derives from reproduction and manual subjoining, the artist achieves an unusual effect of depth. The morphing between second and third dimension creates illusory spaces in which we are no longer able to precisely find our bearing.

Exhibition from May 28 to July 17, 2010 in the Gallery Bob Gysin in Zurich, Ausstellungsstrasse 24.

More information on the exhibition here

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340 pages, 198 illustrations en couleur et 97 noirs et blancs, 24,5 × 30 cm,
ruban de fil avec jaquette, français, CHF 98.–, Euro (D) 78.–, Euro (A) 80.20, ISBN 978-3-7212-0731-6

La collection Toms est l'une des plus grandes collections de tapisseries anciennes constituées de manière privée durant la deuxième moitié du XXe siècle. Elle comprend plus de cent œuvres, tissées entre le XVIe et le XIXe siècle dans les ateliers des Flandres, de France, d'Italie et d'Angleterre, et se caractérise tant par sa diversité géographique, chronologique et thématique que par son remarquable état de conservation.
Ce patrimoine a été légué en 1993 au Canton de Vaud (Suisse) par Mary Toms, veuve de Reginald.
La présente publication documente toutes les œuvres tissées de la collection Toms et en fait l’analyse historique et artistique. Les auteurs, Guy Delmarcel, Nicole de Reyniès et Wendy Hefford, font chacun autorité dans leurs domaines respectifs : ceux de la tapisserie flamande, française et anglaise. Ce catalogue permet de découvrir un large éventail de pièces issues d'une des grandes traditions artistiques européennes. Acquises sur le marché de l’art dans les années 1960, ces tapisseries avaient disparu de la vue du public et des chercheurs depuis près d’un demi-siècle.
Richement illustré, l'ouvrage s’adresse autant aux spécialistes qu'aux lecteurs néophytes.

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340 pages, 198 coloured illustrations and 97 black and white illustrations, 24,5 × 30 cm, clothbound hardcover with jacket, English, CHF 98.–, Euro (D) 78.–, Euro (A) 80.20, ISBN 978-3-7212-0730-9

The Toms collection boasts one of the most important groupings of tapestries privately assembled during the second half of the twentieth century. Ist more than 100 examples, woven between the sixteenth and nineteenth centuries in workshops of Flanders, France, Italy and England, are noteworthy not only for their geographic, historical and thematic diversity but also for their remakable condition.
Mary Toms, widow of Reginald Toms, bequeathed this legacy in 1993 to the Canton of Vaud (Switzerland).
This catalogue documents all the woven works in the Toms collection, providing historical and artistic analysis. The authors, Guy Delmarcel, Nicole de Reyniès and Wendy Hefford, are all recognised authorities in their respective fields of Flemish, French and English tapestry. Readers can discover a broad range of works belonging to one of Europe’s great artistic traditions. Acquired on the art market in the 1960s, the tapestries had disappeared from public and scholarly view for nearly half a century.

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628 pages, 1566 illustrations, 17 × 23,5 cm, cloth bound hardcover, German, CHF 68.–, Euro (D) 54.–, Euro (A) 55.50, ISBN 978-3-7212-0734-7

Dies ist kein herkömmliches Kunstlexikon.
Im ersten Teil des Lexikons zur zeitgenössischen Kunst von Com&Com sind 220 Artikel zu Begriffen versammelt, die in der zeitgenössischen Kunst eine zentrale Rolle spielen (von Adbusting und Authentizität über Globalisierung, Identität, Marketing, Öffentlicher Raum, Partizipation, Social Media, Strategie und Verführung bis Zukunft und Zweifel). Verfasst wurden diese Artikel von 160 Autoren, keineswegs nur Kunstwissenschaftler und Fachexperten. Das führt zu überraschend erfrischenden Statements zu aktuellen Themen und Aspekten der zeitgenössischen Kunst. Gerade diese Erweiterung des Kunstdiskurses in Richtung Soziologie, Wirtschaft, Pop und Alltag ist denn auch charakteristisch für die gegenwärtigen Tendenzen in der Kunst.
Zweitens ist die Publikation aber auch ein umfassender Ausstellungs- und OEuvrekatalog des Schweizer Künstlerduos Com&Com (Marcus Gossolt / Johannes M. Hedinger), das seit 14 Jahren zusammenarbeitet. Neben dem 200 Seiten umfassenden Glossar zur zeitgenössischen Kunst und ausführlichen Werkbeschreibungen zu sämtlichen bisherigen Com&Com-Werken bietet das Buch ein Bildarchiv mit rund 1500 Abbildungen zur Arbeit des Künstlerduos und versammelt ausserdem 33 Essays, die das Werk von Com&Com analysieren und in den Rahmen der zeitgenössischen Kunst einordnen. Alle Teile des Buches sind mit Schlagworten und Verweisen untereinander verlinkt.

Mit Essays und Artikel von Jamila Adeli, Dirk Baecker, Timon Beyes, Tobia Bezzola, Daniel Binswanger, Elisabeth Bronfen, Kathleen Bühler, Dolores Denaro, Diedrich Diederichsen, Marcy Goldberg, Andreas Göldi, Simon Grand, Walter Grasskamp, Peter Gross, Boris Groys, Jürgen Häusler, Vinzenz Hediger, Hanna Hölling, Kornelia Imesch, Tom Kummer, Franz Liebl, Novalis, Barack Obama, Sibylle Omlin, Diana Porr, Ulf Poschardt, Suzann-Viola Renninger, David Signer, Bettina Steinbrügge, Oliviero Toscani, Wolfgang Ullrich, Friedrich von Borries, Slavoj Zizek u.v.a.

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96 pages, 45 illustrations et une affiche, 17 x 23 cm, relié, couverture cartonnée, français/allemand, CHF 42.–, Euro (D) 34.–, Euro (A) 35.–, ISBN 978-3-7212-0711-8

François Burland est un grand voyageur et un amoureux du désert. Son travail, marqué par sa vie nomade, relate ses aventures – réelles ou imaginaires – et déborde de références mystérieuses aux combats préhistoriques ou mythiques de l’humanité.
«Space cowboy» s’intéresse à un autre aspect de son travail: il s’agit des jouets qu‘il produit et rassemble dans un garage depuis des années. Monika Jagfeld écrit dans la préface: «La porte du garage de François Burland ouvre sur un autre monde. On pénètre dans un univers d‘impossibilités techniques. Les véhicules les plus impensables sont ici entassés: paquebots, voitures, avions, fusées, tanks, sous-marins et même ovnis de toutes dimensions et formes; certains sont habités, d’autres non pas de pilote. Comme une armée cachée, ils semblent reposer dans un calme trompeur, prêts à être mis à l‘eau, à s’élever dans les airs ou à démarrer en trombe, bref: prêts à se mettre en action.»
Cette atmosphère est saisie dans un cahier de photographies de Murielle Michetti, où les jouets sont mis en situation de façon ludique, et par un texte de Philippe Lespinasse, voyageur au long cours et réalisateur de films documentaires sur les figures de l’art brut. Un index photographique présente une large sélection de jouets, tandis que l‘origine et le contexte du travail sont évoqués dans une conversation entre Florence Grivel et l‘artiste.

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36 pages, 36 illustrations, 28,8 x 20 cm, hardcover, German, CHF 38.–, Euro (D) 29.80, Euro (A) 30.60, ISBN 978-3-7212-0712-5

Heutzutage findet der natürliche Sterbeprozess grösstenteils im Verborgenen, im anonymen Umfeld von Alters- und Pflegeheimen, in der Intensivstation oder im Sterbehospiz statt.
Kann eine Bildergeschichte eine Auseinandersetzung über die Vergänglichkeit des Lebens anregen? Eine mögliche Antwort gibt das Buch Die Vogelforscherin von Rosa Monika Guggenheim. In einer unaufgeregten, auf das Essenzielle reduzierten Erzähl-
weise macht es den Vorschlag, den notwendigen Fatalismus für die Auseinanderset-
zung mit dem eigenen Ende, dem Ableben nahestehender Personen aufzunehmen und sich mit dem Umgang mit dem Tod in unserer Gesellschaft auseinanderzusetzen. Der spärlich eingesetzte Text lässt Raum für eigene Gedanken. In die Tiefe der Geschichte geführt, werden die Betrachter zudem durch zahlreiche, erst auf den zweiten Blick wahrnehmbare Details in den breitformatigen Bildern, die auf die Vergänglichkeit des Lebens anspielen. Das Buch gewinnt durch die Leichtigkeit der Erzählung in Wort und Bild, das einen versöhnlich mit dem schwierigen Thema stimmt. Trost spendet nicht nur das Ende der Geschichte sondern auch die Wahl des Mediums Bilderbuch. Da setzt sich der Nachwuchs den Erwachsenen auf den Schoss, wird eingeführt in das Leben zwischen Werden und Vergehen.

Die Publikation Die Vogelforscherin ist die «Ausgewählte Bachelor Thesis 2008» der Hochschule der Künste Bern, Studiengang Visuelle Kommunikation.

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52 pages, 29 illustrations, 16,5 x 24 cm, paperback with leaves, German
CHF 22.– , Euro (D) 18.–, Euro (A) 18.50, ISBN 978-3-7212-0702-6

Die vorliegende facette ist dem Stettfurter Künstler Othmar Eder gewidmet. Nach seinem Studium an der Wiener Kunstakademie und ausgedehnten Reisen hat er über die Karthause Ittingen den Weg in den Thurgau gefunden, wo er seit 2001 mit seiner Familie lebt. Im Kontext des zeitgenössischen Kunstschaffens ist Othmar Eder ein ausge-
sprochener Einzelgänger, der mit sanfter Beharrlichkeit und einer von Irritation und Faszination bestimmten Welterfahrung seinen eigenen künstlerischen Weg geht. Auf diesem Weg erscheint die Zeit als bestimmender Faktor: einerseits als langwieriger, geduldiger Arbeitsprozess, in dem vielfältige, vom zeichnerischen Denken geleitete Gestaltungsmittel eingesetzt werden; andererseits im Zugriff auf Erinnerungen, flüchtige Fragmente und aktuelle Bilddokumente, die durch simultane Schichtung und zeitliche Verfremdung zu Bildern und Objekten von befremdlicher Schönheit und nachhaltiger Wirkung verarbeitet werden. Die Kulturstiftung des Kantons Thurgau schätzt sich glücklich, diesem ausserordentlichen Künstler und seinem bisher noch viel zu wenig beachteten Werk eine facette zu widmen.

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120 pages, 42 illustrations, 21,5 x 28 cm, hardcover, English/German,
CHF 48.–, Euro (D) 38.–, Euro (A) 39.10, ISBN 978-3-7212-0691-3

“Faceland” portrays people and their corresponding landscapes from six different European countries: Finland, Ireland, Poland, Switzerland, Rumania and Sardinia. The black-and-white faces are larger than life and look directly at the camera, re- vealing every pore, every little hair to the onlooker. The photos in colour capture the peoples’ rural landscapes, presenting wind, grass, clumps, and rocks. These are no untouched natural landscapes, but cultivated land, exploited and formed by its inhabitants and, like the portraits, always recorded in the very same way. How do we recognize a Polish face or a Finnish landscape? The photos provide awareness for clichés and force the viewer to think about his own perception ...
With texts by Peter Pfrunder and Peter von Matt.

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48 pages, 30 illustrations, 21,5 x 27 cm, paperback, French/English
CHF 28.–, Euro (D) 22.50, Euro (A) 23.10, ISBN 978-3-7212-0692-0

Les dessins de Jean Crotti témoignent d’une exploration incessante de la figure humaine et de ses possibles représentations. Dans ses portraits dessinés le plus souvent au crayon de couleur sur des matériaux de récupération le contraste entre le support brut et la subtilité du trait, entre la surface accidentée et la douceur insistante du geste ne fait que renforcer la beauté étrange et fascinante de ces personnages qui semblent s’offrir à notre regard et nous échappent cependant.
Avec un texte de Marco Costantini.

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160 pages, 149 illustrations, 17 x 23 cm, paperback with jacket, English/French, CHF 48.–, Euro (D) 38.–, Euro (A) 39.10, ISBN 978-3-7212-0697-5

La peinture de Zaech est sur le sentier de la guerre: l’héros de ses tableaux c’est un curieux personnage hispano-Mi’kmaq, le visage peint, arborant sur la poitrine la croix rouge de l’Ordre de Santiago et sur la tête une coiffe de plumes d’aigle volée à la Reine des abeilles, bref: un peintre. Mais pourquoi ce titre «Loyola»? Que vient faire ici Saint Ignace, le fondateur de l’Ordre des Jésuites? C’est une affaire de Contre-Réforme! Celle que le peintre défend, au nom de la seule peinture. Les images de la publication présente sont un passage à travers le Temps, par de préjugés sexistes et par la fausse peinture d’histoire.

Avec un texte de Philippe Pirotte et une interview de Florence Grivel avec l’artiste.

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104 pages, 75 illustrations, 18,5 x 26 cm, paperback, English/German
special price CHF 25.– statt 42.–, Euro (D) 19.80 statt 34.–, Euro (A) 20.40 statt 35.–, ISBN 978-3-7212-0684-5. Sie können dieses Buch auch im Zweierpack mit «Lost and Found» haben - zum Preis von 48.- CHF/38.- Euro (D)/39.10 Euro (A). Bitte im Bestellformular angeben!

As a designer of jewellery Johanna Dahm seeks contact with other areas of expertise, builds bridges between the cultures and in that way further develops her own artistic work. While on a research trip she familiarized herself in East Indian Orissa with the special characteristics of the Dokra technique, a cire perdue method of casting used apart from here only in West Africa.
“same same, but different” thoroughly describes and documents this technique in detail for the first time from a professional point of view. Following up on her first publication “Lost and Found” the book offers at the same time a comparative study of the techniques used in Orissa and Ghana.

With a scientific essay by Prof. Hans Peter Hahn.

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2nd edition, 72 pages, 11 color and 18 black and white illustrations,
18.5 x 26 cm, paperback, english/german,
CHF 25.– statt 38.–, Euro (D) 19.80 statt 29.80, Euro (A) 20.40 statt 30.60, ISBN 978-3-7212-0355-4. Sie können dieses Buch auch im Zweierpack mit «same same, but different» haben - zum Preis von 48.- CHF/38.- Euro (D)/39.10 Euro (A). Bitte im Bestellformular angeben!

As a white-skinned, European woman, it was a unique experience for Johanna Dahm to work in a small communitiy of traditional Asante male craftsmen. Nana, a chief and the Asante king’s goldsmith, allowed her to apprentice two months. “Lost and Found” is a very personal report based on the experience of Johanna Dahm, who occupies a chair at the Pforzheim University of Applied Sciences, department of jewellery and appliances. It documents the special Asante casting technique and presents in numerous illustrations the gold rings, which were created as a direct answer to what was experienced, learned and lived in Ghana.

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144 pages, 78 illustrations, 21 x 26 cm, hardcover with jacket, German,
CHF 58.–, Euro (D) 46.–, Euro (A) 47.30, ISBN 978-3-7212-0677-7

Mit der Kunstgrenze zwischen Konstanz, Deutschland, und Kreuzlingen, Schweiz, verwirklichte Johannes Dörflinger ein weltweit einzigartiges Projekt: ein Kunstwerk, das einen Grenzzaun zwischen zwei Ländern ersetzt. Nach mehrjähriger Vorbereitung wurden die acht Meter hohen, kolibri-roten Skulpturen im Jahr 2007 eingeweiht. Die 22 Edelstahlskulpturen tragen die Namen der Grossen Arkana – der Trümpfe – des Tarots. Einzeln, als Paar und im Zusammenspiel des gesamten Ensembles rufen die Skulpturen immer neue Deutungen hervor. Diese Publikation – nach «Baum-Idee» die zweite in der Schriftenreihe der Johannes Dörflinger-Stiftung – zeigt die Kunstgrenze bei Tag, bei Nacht und im Licht der Jahreszeiten. Kurze Erläuterungen zu jeder Skulptur regen zum Betrachten und Reflektieren an. Auch wird zurückgeblickt auf die Entstehung der Kunstgrenze, thematische Hintergründe werden aufgezeigt und die Kunstgrenze wird in die Geschichte des Kunstwerks in der Landschaft eingeordnet.

Mit Texten von Helmut Bachmaier, Rolf Eichler, Siegfried Gohr und Bettina Rosenburg sowie mit Fotoessays von Florian Schwarz, Harald Herbert und Hans Joachim von Büdingen.

Informations on the Dörflinger-Stiftung

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64 pages, 165 illustrations, 25,5 x 20 cm, hardcover, English, French, CHF 42.–, Euro (D) 34.–, Euro (A) 35.–, ISBN 978-3-7212-0678-4

After twenty years of sculpture, a book devoted to Zaric’s work was long overdue. Where, though, does one start when there are no published works available, and the subject has such depth? Bertram Rothe would have replied “A book’s cover is like a running hare: one body, a thousand tangents”, thus inviting us along many pathways. Within these pages we follow three of them. With a transcript of a conversation with Zaric, photographs by Lionel Henriod and chronological repertoire of works that presents almost one hundred sculptures and installations produced since 1987.

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240 pages, 170 illustrations, 17 x 24 cm, paperback, German,
CHF 48.–, Euro (D) 38.–, Euro (A) 39.10, ISBN 978-3-7212-0652-4

2008 wird der 100. Geburtstag von Max Bill gefeiert. Nicht nur als Maler und Bildhauer, sondern auch als Architekt, Lehrer, Typograf und Produktgestalter trug Bill bis zu seinem Tod 1994 Wesentliches zum kulturellen Leben im 20. Jahrhundert bei. Sein Schaffen wird 2008 vom Kunstmuseum Winterthur und dem Gewerbemuseum in zwei Ausstellungen dargestellt. Das dazu erscheinende Buch versucht der Vielfältigkeit von Bills Tätigkeit gerecht zu werden, indem 14 Autorinnen und Autoren einzelne Aspekte davon behandeln. Aufsätze gelten den Überlegungen zur konkreten Kunst und zur «guten Form», der Zeit als Schüler am Bauhaus und als Lehrer an der Ulmer Hochschule für Gestaltung, den malerischen Anfängen wie Fragen der Denkmal-, der Ausstellungs- und Buchgestaltung.
Mit Textbeiträgen von Hans Jörg Glattfelder, Rudolf Koella, Bruno Reichlin, Jakob Bill, Karin Gimmi, Eugen Gomringer, Arthur Rüegg, Max Graf, Claude Lichtenstein, Hans Rudolf Bosshard, Dieter Schwarz, Peter Hahn und Adrian Mebold. Eine ausführliche Biografie von Sandra Gianfreda sowie Bill-Porträts von Binia Bill und Ernst Scheidegger runden die Publikation ab.

Max Bill (1908–1994) machte zuerst eine Lehre als Silberschmied, bevor er 1927/28 am Dessauer Bauhaus studierte. Er war Mitbegründer der Hochschule für Gestaltung in Ulm und entwarf das Schulgebäude. Von 1953 bis 1956 war er deren erster Rektor. Zeitlebens war er sowohl praktisch als auch theoretisch als Architekt, Maler, Grafiker, Plastiker, Publizist und Produktgestalter tätig; auf allen Gebieten verfasste er theoretische Arbeiten und unterhielt eine umfassende Lehr- und Vortragstätigkeit im In- und Ausland.

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48 pages, 19 illustrations, 14.7 x 21 cm, paperback,
german, CHF 13.–, Euro (D) 8.–, Euro (A) 8.20

Die in Zusammenarbeit mit der Johannes Dörflinger Stiftung erschienene Publikation dient als Führer zur jüngst eröffneten Kunstgrenze in Konstanz (D) / Kreuzlingen (CH) von Johannes Dörflinger. Wo bislang ein Maschendrahtzaun die Städte trennte und zugleich eine Aussengrenze der europäischen Union markierte, ist die weltweit erste Kunstgrenze entstanden. Die Kunstgrenze hat aus einer trennenden eine verbindende Grenze gemacht. Sie ist ein Symbol der guten Nachbarschaft zwischen zwei Städten und zwei Ländern. Die Texte der Publikation stammen von Siegfried Gohr und Bettina Rosenburg, die Fotografien von Florian Schwarz.

Further informations on the Kunstgrenze

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276 pages, 182 photographies, 30 x 30.1 cm, cloth binding with jacket, English,
CHF 150.–, Euro (D) 118.–, Euro (A) 121.30, ISBN 978-3-7212-0619-7

CHF 30.– or Euro 18.– of every sold copy are donated to the Laureus Sport for Good Foundation

Sport has the power to change children’s lives. Sport has a common language. Since its foundation in 2000, the Laureus Sport for Good Foundation has initiated and supported sport relief projects all over the world. In this book, internationally renowned photo-
graphers and writers lend their vision to bring the lives of disadvantaged children to light. It presents projects from the violent slums of Brazil and Africa to the high-rises of Hong Kong and Berlin. “Let the Children Play” is more than a collection of photo documentaries, it is a book with a mission: to let children play and dream through the power of sport.
Texts by Edwin Moses, Eduardo Galeano, Tahar Ben Jelloun, Predrag Matvejevic, Stash Luczkiw, Aaron Maines, Marco Mathieu, Roger Cohen, Massimiliano Carbonaro, Claudio Arrigoni, Mauro Casadio, Mercedes Abad, Massimo Dini, Georges Kern
Photographs by Fernando Moleres, Abbas, Juan Medina, Samuele Pellecchia, James Nachtwey, Ivo Saglietti, Fausto Giaccone, Wolfgang Müller, Justin Jin

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272 pages, more than 300 illustrations, 22 x 27 cm, hardcover with jacket,
German, CHF 78.–, Euro (D) 62.–, Euro (A) 63.70, ISBN 978-3-7212-0592-3

Carl Roesch gehört zu den herausragenden Persönlichkeiten der schweizerischen Kunstgeschichte der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Geboren 1884 in Gailingen, aufgewachsen in Diessenhofen, studierte er am Winterthurer Technikum und setzte sich in Studienaufenthalten in Karlsruhe und München mit den grafischen Künsten auseinander. Mit seiner Frau zog er 1911 zurück nach Diessenhofen, wo er in seiner langen Schaffenszeit bis zu seinem Tod 1979 ein umfangreiches Œuvre von eindrücklicher Konsequenz schuf. Er arbeitete in verschiedenen Techniken (Glasmalerei, Mosaik, Ölbild, Aquarell, Radierung, Zeichnung) und wurde neben seinen Ausstellungen nicht zuletzt auch durch seine Kunstwerke in und an öffentlichen Gebäuden bekannt. Carl Roesch unternahm verschiedene Reisen nach Italien und Paris, wo er wegweisende Begegnungen mit den Werken Cézannes machte. Mit Adolf Dietrich gehört er zu den wenigen Künstlerpersönlichkeiten des vergangenen Jahrhunderts, die weit über die Grenzen des Thurgaus hinaus bekannt geworden sind. In seinem Schaffen spiegelt sich eine modellhafte Auseinandersetzung mit den Kunstentwicklungen der europäischen Avantgarde über mehrere Jahrzehnte hinweg.
Carl Roesch hat seinen Nachkommen neben seinem Atelierhaus ein umfangreiches Werk an Ölbildern, Aquarellen, Skizzen und Tagebüchern hinterlassen. Dieser Nachlass ist in den letzten Jahren geordnet und wissenschaftlich bearbeitet worden und bildet die Basis für diese umfassende Monografie, die sein Leben und sein Schaffen detailreich vorstellt.

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152 pages, numerous illustrations, 12,6 x 19,5 cm, hardcover with jacket, English/German, CHF 28.–, Euro (D) 22.50, Euro (A) 23.10, ISBN 978-3-7212-0574-9

The first part of the publication at hand comprises texts by Dorothee Messmer, Dietrich Wiederkehr and Johannes Stückelberger. They deal with “Art and the Supernatural”, “Prohibition, criticism, freedom in ecclesiastic history” and “Images of God in Modern Art”. In the second part, works by 25 artists from all over the world deal with the question: “How do you imagine God?”

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52 pages, approx. 15 illustrations, 16.5 x 24 cm, paperback with leaves, German,
CHF 22.–, Euro (D) 18.–, Euro (A) 18.50, ISBN 978-3-7212-0575-6

In diesem mittlerweile sechsten Band der Reihe «facetten» widmen sich die Zürcher Kulturjournalistin und Musikwissenschaftlerin Bettina Spoerri und der Bieler Musikwissenschaftler und Literaturkritiker Roman Brotbeck dem Werk des Thurgauer Komponisten und Flötisten Ulrich Gasser.
Gasser war bereits in den 1970er-Jahren in der Neue-Musik-Szene sehr erfolgreich, obwohl seine Stücke mit den meist geistlichen Themen aus dem Rahmen der sonst eher weltlich orientierten Bewegung dieser Zeit fielen. Einen Namen hat er sich mit der radikalen Erneuerung geistlicher Musik und mit seiner intensiven Beschäftigung mit griechischer Mythologie gemacht. Das Christentum sei eine notwendige Voraussetzung zum Verständnis abendländischer Kultur, es sei aber im Wesentlichen im griechischen Kulturraum entstanden und habe dieses Erbe mitvermittelt, so Ulrich Gasser zu seiner Auseinandersetzung mit beiden Themen – und dadurch mit den zentralen Fragen des Menschseins.
Der Vergänglichkeit von Klang und Leben setzt der Komponist in einigen seiner Werke Steine gegenüber – ein drittes Element, das sein Schaffen stark geprägt hat. Der geheimnisvolle, schwer zu ortende «immaterielle» Klang des Steins und der Stein selbst als Symbol für die Ewigkeit. Steine, Passion, Tod – Gassers Werk kreist beharrlich um wenige, aber grosse, nahezu unerschöpfliche Themen, welche an der Schwelle von Raum und Zeit kratzen und die endlichen Grenzen des Menschen sprengen und transzendieren.

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52 pages, 50 illustrations, 16.5 x 24 cm, paperback with leaves, English/German,
CHF 22.–, Euro (D) 18.–, Euro (A) 18.50, ISBN 978-3-7212-0557-2

The work of the artist Max Bottini deals with the everyday occurence of eating. He is primarily interested in developing projects that deal with the natural and social aspects of eating. The focus is not the artistic happening per se but the exploration of the essential and elemental and their dissociation from moral or pedagogical attitudes.

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276 pages, approx. 90 illustrations, 17 x 24 cm, hardcover, german,
CHF 62.–, Euro (D) 43.–, Euro (A) 44.20, ISBN 978-3-7212-0534-3

Die in Wien lebende Schweizer Künstlerin Nives Widauer hat bei ihrem ersten Besuch des Meteoritensaals des Naturhistorischen Museums in Wien einen «deep impact» erlebt und beschlossen, ein Buch zum Thema zu entwickeln. «Meteoriten» verbindet Nives Widauers ungewöhnliche Fotoarbeiten mit ganz unterschiedlichen, heterogenen Beiträgen, die sich literarisch, wissenschaftlich und philosophisch mit den geheimnisvollen Fremdkörpern aus dem All auseinandersetzen.
Wie sind Meteoriten aufgebaut, wie war ihre Reise, was bringen sie mit?
Was erzählen sie über unsere Entstehungsgeschichte?
Welche wissenschaftlichen Denkmodelle knüpfen sich an diese Steine?
Wie stark beeinflussen sie das Leben auf der Erde?
Zu den Autoren zählen: Gero Kurat, Jochen Schlüter, Katharina Lodders, Günter Paul, Beda A. Hofmann, Paul Sipiera, Birgit Sattler, Norbert Classen, Hartmut Böhme, Ursula Pia Jauch, Margit Zuckriegl und Michael Staudinger, Andrea Domesle, Walter Kugler und Rudolf Steiner, Johannes Grenzfurthner, Sibylle Omlin, Gernot Böhme, Peter Sloterdijk, Vrääth Öhner, Julius Deutschbauer und David Jagerhofer, Kurt Kladler, Andreas Okopenko, Susanna Heimgartner, Bodo Hell, Rosa Pock, Sibylle Berg, Raphael Urweider, Karl Valentin.

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168 pages, 130 drawings and photographs, 21 x 26 cm, hardcover with jacket, english/german, CHF 58.–, Euro (D) 36.–, Euro (A) 37.–, ISBN 978-3-7212-0544-2

Cécile Hummel’s works, her elusive places, are located in the diffuse area between photography and drawing. Since the early 1990s the artist has been working in fields of both media, exploring their potentials and balancing her pleasure at documenting reality with her inclination to analyze the depths of her objects.
This book does more than merely document the work of an important artist of the present day; it also contributes to the debate on the meaning of photography and drawing as methods of pictorial expression in contemporary art and society. Richly illustrated with a large number of drawings and photos, it includes texts by the art historians Maja Naef, Dorothee Huber and Elisabeth Gerber as well as an interview with the artist by Markus Landert. Cécile Hummel’s work of the last 15 years is examined and elucidated from a variety of angles.

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48 pages, 20 illustrations, 23.5 x 27 cm, hardcover, german,
CHF 38.–, Euro (D) 24.–, Euro (A) 24.70, ISBN 978-3-7212-0507-7

Der Schweizer Philippe Mahler hat – wie viele andere Künstler auch – wichtige Anregungen aus dem Ausland erhalten. Prägend war insbesondere sein Studien-
aufenthalt 1987/88 in Granada: Das Licht und die typischen Farben Andalusiens sind in vielen seiner Bilder zu finden.
Der Künstler ist empfänglich für das Zusammenspiel von Farbtönen, er unterscheidet feinste Nuancen. Seine Malerei, die ausgewogenen Kompositionen, die leuchtende Palette lässt etwas im Betrachter anklingen.
Im Zentrum dieser Publikation steht eine Reihe von grossformatigen Gemälden, die meist den Titel «Philosoph» tragen: Dieser ist in der Rückenansicht zu sehen, auf eine Landschaft blickend, die sich auch dem Betrachter eröffnet; in greifbarer Nähe ein Tisch, eine Schale, eine Frucht. Thema von Mahlers Bildern ist das Bewusstsein des Menschen, die Reichweite des sinnlichen Erfassens von Wirklichkeit, aber auch die Reichweite des geistigen Erfassens, der Erinnerung und Vorstellung.
Die Publikation mit einem Vorwort von Christina Schwarz und einem Textbeitrag der Kunsthistorikerin Sabine Arlitt erschien im Rahmen einer Ausstellung in der Städtischen Galerie im Neuen Schloss Meersburg.

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86 pages, 50 illustrations, 15 x 18 cm, hardcover, german,
CHF 38.–, Euro (D) 24.–, Euro (A) 24.70, ISBN 978-3-7212-0524-4

In ihrer langen Schaffenszeit als Künstlerin und Schmuckgestalterin hat Antoinette Riklin-Schelbert den inneren Wert handwerklicher Tätigkeit aufgespürt. Die zeitlos-elementare Kraft und die spezifischen Verhaltensweisen der Materialien vereinigen sich bei ihr zu einem Vorgang von höchster Komplexität. Handarbeit ist nicht zu trennen von den Verhaltensweisen der Materialien, und so ist in diesem Büchlein nicht nur Antoinette Riklin-Schelbert als Schmuckkünstlerin mit starken Überzeugungen zu entdecken, sondern auch ihr Fundament – die dargestellten und erklärten Schmuckwerkzeuge. In einem ersten Kapitel beschreibt die Künstlerin selbst ihren Werdegang. Der anschliessende Hauptteil widmet sich den verschiedenen Werkzeugen, mit denen sie ihren Schmuck schafft: vom Hammer über die Anke, den Amboss, die Säge bis hin zu verschiedenen Messinstrumenten. Ein Porträt der Schmuckkünstlerin Riklin-Schelbert von Antonino Orlando bildet den stimmungsvollen Abschluss dieser reich bebilderten, schön gestalteten Publikation.

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114 pages, 220 color photographs, 15.5 x 23.5 cm, paperback, German,
CHF 32.–, Euro (D) 25.50, Euro (A) 26.20, ISBN 978-3-7212-0506-0

Ausstellungskataloge listen in der Regel Kunstwerke auf, dokumentieren Ausstellungen und beschreiben Gehalt und Kontext des Gezeigten. Die vorliegende Publikation von Christa Ziegler unterscheidet sich in ihrer Intention von solchen Katalogen. Das Buch will selber Werk sein, dokumentiert nicht eine für einen anderen Zweck und in einer anderen Form erstellte Auswahl an Fotografien.
Die Publikation steht im Rahmen des Adolf Dietrich-Förderpreises der Thurgauischen Kunstgesellschaft, der sich dreiteilig aus einer Geldsumme, einer kleinen Publikation und einer Ausstellung im Kunstmuseum des Kantons Thurgau zusammensetzt. Diese Dreiheit wird bei Christa Ziegler aufgebrochen. Die Ausstellung im Kunstmuseum wird nicht realisiert. Die dafür vorgesehenen Ressourcen fliessen in eine größere Publikation ein, in deren Rahmen Christa Ziegler das Buch als ein zusätzliches Ausdrucksmittel nutzt, um ihr Arbeiten mit Fotografie auszuweiten, zu differenzieren – eine neue Dimension dazuzugewinnen.

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248 pages, 130 illustrations, 17 x 23 cm, hardcover, german,
CHF 48.–, Euro (D) 30.–, Euro (A) 30.80, ISBN 978-3-7212-0454-4

Adolf Dietrich, dessen Nachlass seit 1995 im Kunstmuseum des Kantons Thurgau betreut und wissenschaftlich bearbeitet wird, hat seine Umgebung – Menschen, Tiere und Landschaft – in einem eigenständigen Stil zwischen naiver Unbeschwertheit und magischem Realismus festgehalten. Seine Bilder sind heute weit über die Grenzen des Thurgaus und der Schweiz hinaus bekannt und geschätzt.
Für das Kunstmuseum des Kantons Thurgau sind Adolf Dietrich und sein Werk von herausragender Bedeutung. Seine Bilder stellen im eigentlichen Sinn den Kern der Sammlung des Museums. Einige Schlüsselwerke des Künstlers, darunter das «grosse Selbstporträt» von 1932 oder «Schiffsteg im Winter» von 1940, sind im Besitz des Museums.
Die Publikation verfolgt drei Ziele: Sie will erstens die Erkenntnisse der Inventarisation des Nachlasses zusammenfassen und dokumentieren. Zweitens eröffnet sie neue Zugänge zu den oben angesprochenen Themen und Fragestellungen. Und drittens schliesslich vermittelt sie durch reiches Textmaterial aus der Korrespondenz in Form eines Glossars einen vertieften Einblick in die Welt Adolf Dietrichs, die sein Leben und sein Schaffen gleichermassen bestimmte und prägte.

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328 pages, more than 200 illustrations, 17 x 23.5 cm, hardcover, german,
CHF 88.–, Euro (D) 70.–, Euro (A) 72.–, ISBN 978-3-7212-0429-2

Der 1920 in Zürich geborene und in Speicher bei Appenzell aufgewachsene Hans Krüsi begann erst Mitte der 1970er-Jahre zu malen und die postkartengrossen Bildchen auf Flohmärkten oder in der Eisenbahn zu verkaufen. Seither schuf er ein grosses, kaum zu überblickendes Gesamtwerk, das als Nachlass vom Kunstmuseum des Kantons Thurgau verwaltet und aufgearbeitet wird.
Die vorliegende Publikation spürt u.a. folgenden Fragestellungen nach: Soll Kunst von Aussenseitern isoliert betrachtet werden? Wie weit lässt sich das Werk eines Künstlers im sozialen Grenzbereich mit zeitgenössischer Kunst in Beziehung bringen?
Das Buch besteht aus einem Textteil mit Beiträgen von Paolo Bianchi, Markus Landert und Dorothee Messmer und einem biografischen Teil. Bebildert ist dieser mit bisher unbekannten Fotografien aus dem Nachlass. Das Buch wird zudem von einem Hörstück auf CD begleitet, das der Musiker Ernst Thoma aus Tonmaterialien aus dem Nachlass zusammengestellt hat: Krüsis Konzert.

Auszeichnung:
«Die schönsten Schweizer Bücher» 2001

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34 pages, 22 color illustrations, 14.4 x 28 cm, cloth binding, numbered and signed, german, CHF 32.–, Euro (D) 20.–, Euro (A) 20.60, ISBN 978-3-7212-0395-0

Ausgangspunkt des zweiten im Niggli Verlag erscheinenden Buches des Zürcher Fotografen Rolf Schroeter sind die wiederholten Ferienaufenthalte des Fotografen auf einer Atlantikinsel, die ihn zu einer Fülle von Bildern inspiriert haben. Texte des konkreten Dichters Eugen Gomringer begleiten und vertiefen die Bilder Schroeters.
Entstanden ist ein Buch mit 22 Bildern von Rolf Schroeter. Das Motiv der Bilder, die in zehn Jahren entstanden sind, ist die Faszination des immer gleichen Felsstrandes und der Veränderungen von morgens bis abends, bei schönem und schlechtem Wetter, bei Flut und Ebbe, in verschiedenen Jahreszeiten. Eingeschoben in diese Bilder tauchen immer wieder Texte von Eugen Gomringer auf, zusammengehalten vom Begriff «entropie».

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104 pages, 58 illustrations, 25 x 28 cm, hardcover, german,
CHF 58.–, Euro (D) 36.–, Euro (A) 37.–, ISBN 978-3-7212-0328-8

Mit Texten von Werner Lutz und Peter Pfrunder

In den Jahren 1985 bis 1997 durchstreifte Peter Maurer das Land um den Alpstein zu Fuss, mit dem Motorrad oder per Auto, fasziniert von dieser Landschaft und ihren Menschen. Die ersten Fotografien entstanden mit einer kleinen Kamera an der Landsgemeinde 1985 in Appenzell. Es schneite wie wild. Mit diesen Aufnahmen kehrte Peter Maurer kurze Zeit darauf ins Appenzellerland zurück. Es entstanden die ersten Kontakte, dann Porträts mit der grossen Kamera. Die älteren Leute erinnerten sich an früher, als der Fotograf ebenfalls unter dem schwarzen Tuch am grossen Fotoapparat herumhantierte. Es brauchte Geduld, bis das Bild im Kasten war. Sie unterbrachen ihre Arbeit oder öffneten Peter Maurer ihre Stuben; er wurde zum Kaffee oder gar zum Essen eingeladen, erfuhr Neuigkeiten und konnte mitreden. Vor zwei Tagen ist ein Fels am Seealpsee runtergekommen, und am Samstag fahren sie von der Meglisalp. Dieser hat das Gras bereits geschnitten, jener wartet noch. Das Wetter ist immer Thema. Die Menschen gaben Peter Maurer Einblick in ihre Welt, jedes Bild hat seine Geschichte.

Auszeichnung:
«Die schönsten Schweizer Bücher» 1998

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112 pages, 139 illustrations, 17 x 23.5 cm, paperback, english/german,
CHF 42.–, Euro (D) 34.–, Euro (A) 35.–, ISBN 978-3-7212-0295-3

The publication comprehensively presents the work of the Basel multimedia artist Muda Mathis for the first time. Richly illustrated texts by Liselot Frei, Erika Keil, Esther Jungo, Beatrix Ruf, Markus Landert as well as a conversation with the artist illuminate her work from various standpoints. In addition the book delivers an overview of the works that have been created since the early 1980s.

Award:
“The Most Beautiful Swiss Books” 1995

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76 pages, 64 color and black-and-white illustrations, 29.5 x 20 cm, cloth binding with jacket, german, CHF 88.–, Euro (D) 54.–, Euro (A) 55.50, ISBN 978-3-7212-0498-8

Vorzugsausgabe, nummeriert und handsigniert, mit 4 Originallithos von Richard Jackson, auf Anfrage

In Richard Jacksons Schaffen kann eine rege Verbindung mit der amerikanischen Kunstentwicklung der Nachkriegszeit festgestellt werden. Das einflussreiche Paradigma von Jackson Pollocks malerischer Arbeit ist zu spüren. Anstelle jener Ekstasen verbindet sich hier mit der malerischen Aktion ein Geist der Planung, des klaren Denkens, für das man in den minimalisierenden und konzeptuellen Kunsttendenzen der 1970er-Jahre Anhaltspunkte finden kann.
Jackson geht mit seiner Arbeit nicht nur auf das Faktum Bildfläche ein, er setzt sich einer jeweiligen Situation aus, die sich aus seinem Auftrag und all seinen Zufälligkeiten ergibt. Er akzeptiert diese Umstände als Ort eines Handelns, einen vorübergehenden Aufenthalt in der Zeit.
Auch die hier dokumentierte Realisierung ist bereits vergangen, lebt nur noch in der Erinnerung der Beteiligten weiter. Da die Dimension der Ausführung mit den genauen Plänen des Künstlers nicht identisch ist, entsteht zwischen Entwurfsarbeit und Gestaltung eine Spannung. Die Fotos von Rolf Schroeter dokumentieren diesen Vorgang.

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56 pages, 160 illustrations, 23 x 56.5 cm, hardcover with jacket, numbered and signed, german, CHF 98.–, Euro (D) 60.–, Euro (A) 61.70, ISBN 978-3-7212-0497-1

Vorzugsausgabe in leinenüberzogener Kassette, enthaltend 18-minütiges Video,
2 Originale von Uecker, 2 Cibachrome von Schroeter, 22 x 56 cm, auf Anfrage

Günther Uecker ist der Mann, «der den Nagel Kunst werden liess». Der Maler, Objekt- und Aktionskünstler, Zeichner, Druckgrafiker und Bühnenbildner verdankt die poetische Bezeichnung seinen phantastischen Nagelbildern und -skulpturen.
Der Zürcher Fotograf Rolf Schroeter hat Ueckers Schaffensphase «Muttermord in der Diamantenwüste» mit der Kamera umfassend dokumentiert und in einer gleichnamigen Publikation der Öffentlichkeit zugänglich gemacht.
Das Buch ist in einem Überformat und in einer Auflage von 1500 Exemplaren erschienen. Die Sonderedition in einer leinenüberzogenen Kassette enthält zusätzlich zwei Originale von Uecker, zwei Cibachrome von Schroeter und ein Video von
18 Minuten Länge.

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300 pages, approx. 250 illustrations, including 20 in color, 23 x 28.5 cm, cloth binding,
german, CHF 98.–, Euro (D) 60.–, Euro (A) 61.70, ISBN 3-7757-0211-2

Das Werk Chagalls gehört zur großen Kunst unseres Jahrhunderts. Chagalls grafisches Schaffen ist durch fünf Stufen gekennzeichnet: die 1922 entstandenen Radierungen zu «Mein Leben», in denen sich Autobiografisches mit ungewachsener Fantastik mischt; weiter die zwischen 1923 und 1927 geschaffenen Illustrationen zu den «Toten Seelen» von Nicolai Gogol; dann die in der malerischen Verdichtung weit über den mehr linearen Grundcharakter des bisherigen Werkes hinausgehenden Radierungen zu La Fontaines Fabeln aus den Jahren 1927–1939; weiter die Bibelillustrationen und schließlich die Lithografien der Nachkriegszeit.

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232 pages, 282 illustrations, including 8 in color, 16 x 21 cm, paperback, german, CHF 38.–, Euro (D) 24.–, Euro (A) 24.70, ISBN 978-3-7757-0139-6

Als bewegende Kraft der Avantgarde ist der Surrealismus bereits Geschichte, aber die Ideen, die ihn hervorbrachten, haben uns heute mehr zu sagen als den damaligen Zeitgenossen.

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